Videokünstler vertonen das amerikanische Erlebnis

Roger Catlin

Museumskorrespondent

Eine neue Ausstellung im Smithsonian American Art Museum (SAAM) kann das Publikum nicht nur sehen, sondern auch hören, fühlen und mittanzen.

„Musical Thinking: New Video Art and Sonic Strategies“, die erste große Ausstellung zeitbasierter Medienkunst im Museum seit acht Jahren, zeigt aktuelle Arbeiten von zehn führenden zeitgenössischen Künstlern auf diesem Gebiet, darunter Film, Video, Audio und digitale Technologien die sich im Laufe der Zeit entfalten.

Saisha Grayson, SAAMs Kuratorin für zeitbasierte Medien, die die Ausstellung zusammengestellt hat, sagt, dass die Stücke, die das Museum seit Beginn ihrer Arbeit im Jahr 2018 gesammelt hat, alle so starke musikalische Komponenten zu haben schienen – von Jazz bis Hip-Hop –, dass es Es schien naheliegend, eine Ausstellung mit Werken zu schaffen, die jeweils auf ihre Weise die Strategien des Musikschaffens nutzten. Während Musik ein roter Faden ist, der das kürzlich erworbene Werk zusammenhält, werden außerordentliche Anstrengungen unternommen, um die Klänge einem möglichst breiten Publikum zugänglich zu machen, einschließlich Gehörlosen und Hörgeschädigten. Das heißt, es gibt nicht nur Untertitel zu Filmen und QR-Codes, die auf visuelle Beschreibungen und ASL-Interpretationen verweisen, sondern das Museum nutzt auch haptische Technologie auf eine neue Art und Weise, sodass musikalische Vibrationen auf den Bänken, auf denen die bahnbrechende Technologie eingesetzt wird, so stark spürbar sind Es wurde festgestellt, dass sie „Butt Kicker“ genannt werden.

Die Dinge beginnen jedoch sanft mit einem Raum, der „When the Spirits Moved Them, They Moved“ gewidmet ist, einer Dreikanal-Videoinstallation aus der „Performed Places“-Reihe der Filmemacherin Mariam Ghani und der Choreografin Erin Ellen Kelly, die imaginäre Tänze reproduziert, die entstanden sind im Shaker Village aus dem 19. Jahrhundert im ländlichen Pleasant Hill, Kentucky.

Überraschenderweise ist es einer von drei Verweisen auf vergangene Shaker-Gemeinschaften in der Ausstellung. Die anderen beiden kommen im Videokunstwerk von Cauleen Smith vor, in dem die Lesungen einer Ältesten der Black Shaker, Rebecca Cox Jackson, vorgetragen werden und Aufnahmen eines Shaker-Friedhofs im Norden des Bundesstaates New York inmitten von Szenen der skulpturalen Watts Towers von Los Angeles zu sehen sind und ein ländlicher Ashram in Kalifornien. Smiths zwei Videos, eines davon begleitet von einer sich langsam bewegenden Discokugel, feiern auch die Musik der Jazzpianistin und Harfenistin Alice Coltrane und ihre hinduistische spirituelle Reise.

Ein weiteres Künstlerduo, Simone Leigh und Liz Magic Laser, präsentiert das neunminütige Video „Breakdown“, in dem die Mezzosopranistin Alicia Hall Moran kraftvoll alberne Zeilen aus dem Fernsehen und Filmen zum Thema „weibliche Hysterie“ zum Ausdruck bringt. Leigh wird auch durch eine ihrer großen Skulpturen, Cupboard VIII, dargestellt, eine weibliche Figur mit ausgestreckten Armen und offenem Krugmund.

Grayson sagt, dass ein Ziel bei der Planung von „Musical Thinking“ darin bestand, „ein Erlebnis zu schaffen, das viele Medienwerke hervorhebt, aber nicht eine Blackbox nach der anderen ist; wo die körperliche Erfahrung für jede der Absichten der Arbeit spezifisch war.“

Während viele der Werke über eigene Vorführräume verfügen, stehen andere in Galerien zur individuellen Besichtigung bereit. Im Fall der Hörbank von Christine Sun Kims „One Week of Lullabies for Roux“ hören Besucher über Kopfhörer sieben beruhigende Titel, die für ihr Neugeborenes komponiert wurden. Dann schreit das dreiminütige Video „Clubbing“ von Martine Gutierrez nach voller Beteiligung. Im Video präsentiert sich die Künstlerin in unterschiedlichen Facetten tanzend zu pulsierender Clubmusik. Besucher sind eingeladen, auf einer beleuchteten Tanzfläche mitzutanzen.

Und viele haben es getan, sagt Grayson. „Ich habe einige wirklich wundervolle Interaktionen gesehen – von ganzen Familien bis hin zu etwas, von dem ich glaube, dass es sich um einen Junggesellenabschied handelte, bei dem alle Mädchen versuchten, die Choreografie zu lernen“, sagt sie. „Am ersten Tag unserer Eröffnung drehte sich dort oben ein Rollstuhlfahrer, das fühlte sich einfach sehr positiv an.“

Diejenigen, die sich zum „musikalischen Denken“ hingezogen fühlen, um die Art von Musikvideos zu sehen, die einst auf MTV vorherrschten, könnten ihre engste Verbindung in Arthur Jafas beeindruckendem „Love Is the Message, The Message Is Death“ aus dem Jahr 2016 finden, das rasante Bilder der Erfahrungen der Schwarzen in Amerika zeigt neben der Musik von Kanye Wests Gospel-angehauchtem Track „Ultralight Beam“. Eine Collage aus Hunderten postkartengroßen Bildern, die in Jafas APEX GRID über eine Wand verteilt sind, erzielt ohne die Musik fast die gleiche Wirkung.

Besucher müssen sich möglicherweise bücken, um das kleinste Werk zu sehen: „West Side Story Upside Down, Backwards, Sideways and Out of Focus“ des verstorbenen Künstlers ADÁL, in dem ein in einen Koffer eingebettetes Video Szenen aus dem beliebten Musical von 1961 mit echtem Dokumentarfilmmaterial verbindet von puerto-ricanischen Kämpfen zu einem perkussiven Soundtrack von Tito Puente.

Einige Musikstücke werden visuell durch Originalpartituren präsentiert, die mit ungewöhnlicher Notenschrift erstellt wurden. Inspiriert vom Sioux-Komponisten Zitkála-Šá präsentiert der Diné-Komponist Raven Chacon Partituren, in denen er zeitgenössische einheimische Musikerinnen mit Pfeilen anstelle von Noten würdigt. Ein Video aus dem Jahr 2015 zeigt eine „Aufführung“ von Chacons Werk „Report“ aus dem Jahr 2001, das Schüsse von Schützen choreografiert, die hinter einer Reihe von Notenständern aufgereiht sind.

Christine Sun Kim, die die ASL-Interpretation der Nationalhymne beim Super Bowl 2020 aufführte, präsentiert die gleichen großen Notationstabellen, die sie zur Vorbereitung des Spiels erstellt hat, mit der umstritteneren, aber selten gehörten dritten Strophe der Hymne, in der die Sklaverei erwähnt wird. Ein weiterer Beitrag von Kim, ein 25-minütiges Video mit dem Titel „Close Readings“, zeigt, was passiert, wenn Freunde eingeladen werden, Untertitel für teilweise unscharfe Filme wie „The Addams Family“ oder „Die kleine Meerjungfrau“ zu liefern. Zuschauer können die vorgeschlagenen Untertitel neben den tatsächlichen Untertiteln jeder Szene sehen.

Es war Kims Verbindung zum Motion Light Lab an der Gallaudet University, das neue Technologien im Zusammenhang mit der Gehörlosenkultur entwickelt, die das Team dort dazu brachte, mit SAAM zusammenzuarbeiten, um vier zu entwickeln Bänke ausgestattet mit einem einzigartigen Haptiksystem. Die durch blaue Lichter gekennzeichneten Bänke bringen Bewegung und Vibrationen in das, was andere hören, sodass gehörlose Besucher sitzen und die Musik spüren können.

„Die Einbeziehung von Haptik für die Audiointerpretation ist etwas, von dem ich nicht weiß, dass es es zuvor in einem Kunstkontext gegeben hat“, sagt Grayson.

Melissa Malzkuhn ist die Kreativdirektorin des Motion Light Lab, das zuvor unter anderem die erste zweisprachige ASL-zu-Englisch-Bilderbuch-App entwickelt hat, um die Entwicklung der Lese- und Schreibfähigkeit zu unterstützen. „Es war ein natürlicher Ausflug für uns, unsere Neugier und unsere Motivation, neue Wege zu erkunden, um integrative Erfahrungen zu schaffen“, sagt sie.

„Wenn man bedenkt, dass dies völlig unerforscht ist, gibt es immer Herausforderungen“, sagt Malzkuhn, der in der dritten Generation gehörlos ist, über die Niederfrequenzwandler, die als „Butt-Kicker“ bekannt sind. „Was wir jetzt wissen, was wir nicht wirklich erwartet hatten, war, wie die Menschen auf die Haptik reagieren würden. Durch die Barrierefreiheit wurde das Erlebnis tatsächlich für alle besser.“

„Musical Thinking“ ist die erste Ausstellung, die im dritten Stock des SAAM-Hauses für moderne und zeitgenössische Kunst eröffnet wird, nachdem es drei Jahre lang wegen Bauarbeiten geschlossen war. Wenn es am 22. September vollständig wiedereröffnet wird, wird der Boden zusammen mit neu durchdachten Sichtlinien und höheren Wänden, um größere Werke unterzubringen, einen dauerhaften Bereich für die Sammlung zeitbasierter Medien des Museums haben, die jetzt etwa 160 Werke umfasst.

Der Begriff umfasst Film- und Videokunst, umfasst aber auch Videospiele, das, was Grayson als „ein algorithmisch gesteuertes Kinostück“ bezeichnet, und das berühmteste zeitbasierte Medium des Museums, Nam June Paiks Electronic Superhighway, in dem Musik und Videos aufleuchten und darstellen 50 Bundesstaaten, in Neon umrandet.

„Musical Thinking: New Video Art and Sonic Strategies“ ist bis zum 29. Januar 2024 im Smithsonian American Art Museum in Washington, D.C. zu sehen. Ein Leitfaden zur Barrierefreiheit und ein kostenloser digitaler Katalog sind online verfügbar.

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Roger Catlin, Freiberufler aus Washington, DC, hat für AARP The Magazine, The Washington Post und andere Medien über Kunst geschrieben. Auf seinem Blog rogercatlin.com schreibt er hauptsächlich über Fernsehen.