Die Grammys

Foto: Ollie Millington/Redferns

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Pop-Superproduzent Jon Bellion ist der Mann hinter Tori Kellys neuer Folge „Tori“, aber er ist seit mehr als einem Jahrzehnt auch an unzähligen Hits beteiligt. Hören Sie sich neun der größten Songs von Bellion an, von Eminem bis Jonas Brothers.

Wenn Ihnen der Name Jon Bellion bekannt vorkommt, liegt das wahrscheinlich an seiner Single „All Time Low“ aus dem Jahr 2016. Mit seinem unerbittlichen „Low-Low-Low-Low-Low“-Refrain landete die elektronische Pop-Konfektion Bellion seinen ersten großen Hit – als Solokünstler jedenfalls.

Bevor Bellion mit seiner Debüt-Solosingle den Durchbruch schaffte, hatte er sich hinter den Kulissen bereits einen Namen gemacht, indem er Songs für Größen wie Eminem, Jason Derulo, Zedd und CeeLo Green schrieb und produzierte. Und in den sieben Jahren, seit „All Time Low“ zu einem Top-20-Hit wurde, feierte er zahlreiche weitere Hits mit einigen der größten Popstars von Christina Aguilera bis Justin Bieber.

Allein in diesem Jahr arbeitete er mit den Jonas Brothers zusammen, um deren aussagekräftiges Album „The Album“ zu produzieren, und half bei der Gestaltung von „Middle Ground“ von Maroon 5 – das voraussichtlich die Lead-Single des bevorstehenden achten Studioalbums der erfahrenen Pop-Rocker sein wird – und tat sich mit Switchfoot für ein Orchester-Update 2023 der Breakout-Single der Band aus dem Jahr 2003 „Meant to Live“ zusammen.

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Bellions neueste Arbeit ist auf Tori Kellys neuer, selbstbetitelter EP „Tori“ zu hören, die am 28. Juli erschien. Neben der Produktion des Projekts begleitete Bellion Kelly bei einem magnetischen, elektro-angehauchten Track mit dem Titel „Young Gun“. Bei der Veröffentlichung der EP bemerkte Kelly selbst den Einfluss von Bellion und nannte ihre Zusammenarbeit „den Beginn von etwas ganz Besonderem“.

Werfen Sie zu Ehren von Bellions neuestem Projekt einen Blick auf neun Songs, von denen Sie vielleicht nicht wussten, dass sie Bellions charakteristische Note enthalten – ein Wegweiser auf seinem Weg zu einem der gefragtesten Produzenten der Gegenwart.

Einer der ersten Hits von Bellion kam mit freundlicher Genehmigung von Eminem – nun ja, und Bebe Rexha. Die Popsängerin schrieb den düsteren Hook des Titels während der Arbeit an ihrem Debütalbum, doch später gelangte er zu Eminem und verwandelte sich schließlich in seine vierte Zusammenarbeit mit Rihanna. Der Song wurde nach „Love The Way You Lie“ aus dem Jahr 2010 die zweite Nummer-1-Kollaboration des Duos und bleibt einer der größten Hits in Bellions Karriere.

Jason Derulo arbeitete ausschließlich mit Bellion an diesem Top-20-Hit aus seinem Album „Tattoos“ aus dem Jahr 2013, das später als „Talk Dirty“ aus dem Jahr 2014 neu verpackt wurde. Basierend auf einer unwiderstehlichen Bläserlinie aus, ja, im wahrsten Sinne des Wortes, haben Bellion und Derulo eine beschwingte, kokette Symphonie zusammengestellt, um die Liebe des R&B-Sängers sanft zum Objekt zu machen, und schaffen es, innerhalb von nur drei Minuten Drop Coldplay, Katy Perry und Kanye West zu nennen und siebenunddreißig Sekunden.

Bellion kümmerte sich um die Produktion von Christina Aguileras heftiger Zusammenarbeit mit Demi Lovato aus dem Jahr 2018, „Fall in Line“, von deren 2018er LP Liberation. Hinter den Brettern fing Bellion wirkungsvoll die ganze feministische Wut und Ermächtigung ein, die die beiden Gesangs-Kraftpakete in ihren Texten zum Ausdruck brachten, indem sie ihre höhnischen Vocals mit einer vampirischen Streichergruppe, rasselnden Ketten und einem roboterhaften männlichen Oberherrn kombinierten, der vergeblich forderte: „März, zwei, drei.“ , richtig, zwei, drei/ Halt deinen Mund, strecke deinen Arsch für mich raus.

„Fall in Line“ erhielt bei den GRAMMYs 2019 eine Nominierung für die beste Pop-Duo-/Gruppen-Performance und markierte damit Aguileras zwanzigste Karriere-Nominierung und Lovatos zweite.

Zum Auftakt ihres siebten Albums „JORDI“ engagierten Maroon 5 Bellion als Co-Autor der Lead-Single „Memories“. In der sanften Ballade trauert Frontmann Adam Levine um den Verlust eines Freundes und schüttet eine beschwingte Reggae-Pop-Linie aus, die geschickt Johann Pachelbels „Kanon in D-Dur“ sampelt. Während der von Herzen kommende Song dem langjährigen Manager der Band (und Namensgeber der LP) Jordan Feldstein gewidmet ist, der 2017 auf tragische Weise an einem Blutgerinnsel verstarb, verhalf ihm die nachvollziehbare Stimmung von „Memories“ zu Platz 2 der Hot-Charts 100.

Zusätzlich zu „Memories“ arbeitete Bellion mit der Band auch an zwei weiteren Songs von JORDI und war Co-Autor der vierten Single „Lost“ sowie der Zusammenarbeit von Anuel AA und Tainy „Button“. Drei Jahre später kam er wieder mit der Band zusammen, um gemeinsam mit Künstlern wie Andrew Watt und Rodney Jerkins ihre neueste, ebenso heikle Single „Middle Ground“ zu schreiben und zu produzieren.

Miley Cyrus startete voller Elan mit ihrem vom Glam-Rock inspirierten Album „Plastic Hearts“ auf der Rückseite von „Midnight Sky“, einem kompromisslosen Unabhängigkeitsbekenntnis nach der Trennung von ihrer langjährigen Liebe Liam Hemsworth. Die von sinnlichen Synthesizern durchdrungene Power-Ballade orientierte sich an den Rock-Ikonen der 80er Jahre wie Joan Jett, Debbie Harry und Stevie Nicks.

Der Sound war für Cyrus völlig neu – und das ist eines von Bellions Werkzeugen, wenn er zum ersten Mal mit einem neuen Superstar zusammenarbeitet. In einem Billboard-Interview im Jahr 2023 verglich er seinen Ansatz mit der Erfindung einer neuen Art von Fahrgeschäft für den jeweiligen A-Prominenten. „Sie haben bereits einen fantastischen Themenpark gebaut: Millionen von Menschen besuchen ihn und erleben ihre Achterbahnen“, sagte er. „Sie beauftragten mich mit der Umgestaltung oder Schaffung eines neuen Abschnitts des Themenparks und überließen mir die Leitung des Ganzen.“ Der neue Stil kam Cyrus zugute und bescherte Bellion einen weiteren Top-20-Hit in den Hot 100.

Bellions Fingerabdrücke sind überall auf Justin Biebers Album Justice aus dem Jahr 2021 zu finden, insbesondere mit der von Chance the Rapper unterstützten Lead-Single „Holy“, die er sowohl mitgeschrieben als auch mitproduziert hat. Der Superproduzent trug zu sechs weiteren Songs auf der Pop-LP bei – darunter dem Pop-Radio Nr. 1 „Ghost“, das von Bellions verstorbener Großmutter inspiriert wurde – sowie zu drei Deluxe-Tracks. Und obwohl Bellion keine nennenswerten Auftritte hatte, ist seine Stimme immer noch zu hören: Bei sieben der Songs sorgte er für den Hintergrundgesang.

Justice brachte Bellion seine allererste GRAMMY-Nominierung ein, da das Projekt bei den GRAMMYs 2022 für das Album des Jahres nominiert wurde (Bieber erhielt außerdem sieben weitere Nominierungen).

Bellion arbeitete erstmals mit Selena Gomez am Rare-Album „Vulnerable“ an der Seite von Amy Allen, Michael Pollack und The Monsters & Strangerz zusammen. Zwei Jahre später kam das gesamte Team für den Titelsong der Apple TV+-Dokumentation My Mind & Me des Popsängers wieder zusammen.

Bellion und Co. half Gomez dabei, die bisher verletzlichste Seite ihrer Psyche noch weiter zu erschließen. In „Vulnerable“ ließ Gomez mit neuer Flamme ihre Deckung fallen, aber „My Mind & Me“ erlaubte ihr, ihre Reise zur psychischen Gesundheit völlig offenzulegen. „Manchmal fühle ich mich wie ein Unfall, die Leute schauen, wenn sie daran vorbeifahren. Schauen Sie nie nach dem Passagier, sie wollen nur die kostenlose Show“, singt sie. „Ja, ich versuche ständig, gegen etwas zu kämpfen, das meine Augen nicht sehen können“, über Ersatzgitarre und Klavier.

Nach dem Erfolg ihres 2019 erschienenen Comeback-Albums „Happiness Begins“ mit Produzent Ryan Tedder rekrutierten die Jonas Brothers Bellion, um die Leitung des 2023 erschienenen Nachfolgers „The Album“ zu übernehmen. Der Produzent half den Geschwistern, die Hits machten, eine neue Facette ihres Pop-Rock-Sounds zu erschließen, indem er sich von der Musik der 70er Jahre inspirieren ließ, mit der ihr Vater sie großgezogen hatte. (Wie Joe Jonas GRAMMY.com bei der Veröffentlichung des Albums sagte, sagte Bellion „genau das, was wir uns erhofft hatten“, als sie sich zum ersten Mal trafen, um über Ideen nachzudenken.)

Während Bellion an jedem Song des Albums beteiligt war, ist die zweite Single „Waffle House“ die jüngste, die ihm und Jonas Brothers einen Top-15-Hit im Pop-Radio eingebracht hat. Bellion fungiert auch als einziger vorgestellter Künstler auf dem Album, der für den bombastischen Abschluss „Walls“ hinter den Banden hervorkommt und in die Gesangskabine tritt.

Dank Justin Bieber kam Tori Kelly zum ersten Mal mit Bellion in Kontakt, als das Paar mit den Biebs an dem zarten Bonusstück „Name“ aus den Justice-Sessions arbeitete. Als es an der Zeit war, mit ihrer selbstbetitelten EP „Tori“ eine neue Ära einzuläuten, wandte sich die Sängerin an Bellion, um ihre Vision zum Leben zu erwecken.

Auf der Lead-Single „missin u“ wirft die zweifache GRAMMY-Gewinnerin die gitarrengetriebenen Singer/Songwriter-Vibes ihrer früheren Arbeiten über Bord und setzt stattdessen auf einen eleganten R&B-Sound, der an die frühen 2000er Jahre erinnert. Der klangliche Gangwechsel passt perfekt zu ihrer geschmeidigen Stimme, während sie eine Romanze nachspielt, die „in meinem Zimmer lila Himmel regnen ließ“. Irgendwie gelingt es Kelly sogar, die Gesangsakrobatik von „missin u“ mit einem wahnsinnig brillanten „R&B-Edit“ zu übertreffen, der der Single noch mehr Ebenen, Soul und Gesangsschnörkel verleiht.

„Als ich anfing, mit Jon Bellion zu arbeiten, kratzten wir gerade erst an der Oberfläche eines neuen Sounds, der sich wirklich wie mein eigener anfühlte“, erklärt Kelly in einem Video zur Feier der Veröffentlichung ihrer selbstbetitelten EP „Tori“. „Ich weiß, dass ich diese Zusammenarbeit als den Beginn von etwas ganz Besonderem betrachten werde.“ Was Bellions Gedanken zu seinem neuesten Projekt betrifft? „Tori Kelly ist die größte Sängerin aller Zeiten!“

Ariana Grandes musikalische Weiterentwicklung in 15 Titeln, von „The Way“ bis „Positions“

Fotos (LR): Bob Riha Jr/WireImage, Ron Davis/Getty Images, Paul Natkin/Getty Images, Kevin Mazur/Getty Images für dcp

Besonderheit

Während Madonna-Fans sehnsüchtig auf den Beginn ihrer mit Spannung erwarteten The Celebration Tour warten, werfen Sie einen Blick zurück auf das vier Jahrzehnte lange Erbe der Ikone, das die Popmusik für immer verändert hat.

Nur Sekunden nach ihrem Fernsehdebüt bei American Bandstand Anfang 1984 kündigte Madonna ihre Pläne an, „die Welt zu beherrschen“.

Fast 40 Jahre später hat sie genau das geschafft: Mit 300 Millionen verkauften Alben weltweit ist Madonna eine der meistverkauften Künstlerinnen aller Zeiten. Ihre 14 Studioalben brachten 12 Nr. 1-Hits und 63 Top-10-Hits in den Billboard Hot 100 hervor, und 2008 sicherte sie sich einen Platz in der Rock & Roll Hall of Fame. Doch allein ihr Spitzname beweist, dass sie ihr Ziel erreicht hat: die Queen von Pop.

Madonnas Vermächtnis ist auch mehr als nur ihre Musik. Der siebenfache GRAMMY-Gewinner hat mehreren Generationen die Möglichkeit gegeben, ihre Sexualität zu besitzen und ihre eigenen Entscheidungen zu treffen. Sie wagte es, anders zu sein und die Regeln auf und neben der Bühne zu brechen, insbesondere im Hinblick auf die Verschmelzung von sexueller Freiheit und Religion. Ihre Furchtlosigkeit öffnete Türen für Individualität in der Popmusik und darüber hinaus und wurde zu einem Star, der nicht nur die Welt beherrschte, sondern auch die Kultur veränderte.

Während Madonnas selbstbetitelte Debüt-LP am 27. Juli 40 Jahre alt wird, lässt GRAMMY.com die bahnbrechendsten, aufregendsten und atemberaubendsten Momente ihrer außergewöhnlichen Karriere noch einmal Revue passieren.

Hören Sie sich die offizielle Playlist „Songbook: An Essential Guide To Madonna“ von GRAMMY.com oben auf Spotify sowie auf Amazon Music, Apple Music und Pandora an.

„Everybody“ und „Burning Up“, die ersten beiden Singles von Madonnas gleichnamigem Solodebüt aus dem Jahr 1983, waren sofortige Dance-Hits, schafften es jedoch nicht, die Hot 100 zu knacken. „Holiday“ hat seine Wurzeln im Disco-Bereich und wurde nicht nur Madonnas erster Hot 100-Eintrag auf Platz 1. Platz 16, aber es landete auch an der Spitze der Dance Club Songs-Charts – ihr erster von 50, ein Rekord, den bis heute kein anderer Künstler hält. Es brachte auch die noch größeren Hits „Lucky Star“ und „Borderline“ hervor, die Platz 4 bzw. Platz 10 der Hot 100 erreichten.

Als „Borderline“ die Charts erklomm, engagierte Madonna den legendären Nile Rogers, um das Album zu produzieren, das zum meistverkauften Album ihrer Karriere werden sollte: „Like a Virgin“.

„Like a Virgin“ aus dem Jahr 1984 wurde weltweit über 21 Millionen Mal verkauft und bewies mit einer langen Reihe von Hits, darunter „Material Girl“, „Dress You Up“ und ihrem ersten Chartstürmer „Like“, dass Madonna nicht nur eine Eintagsfliege war eine Jungfrau." Aber ihr sexuelles Durchsetzungsvermögen hat diese Ära wirklich ikonisch gemacht. Auf dem sepiafarbenen Albumcover trug der damals 26-Jährige ein Korsett-Hochzeitskleid, dazu Spitzenhandschuhe und eine kaum zu übersehende „Boy Toy“-Gürtelschnalle.

„Das Foto war ein Statement der Unabhängigkeit. Wenn du Jungfrau sein willst, bist du herzlich willkommen. Aber wenn du eine Hure sein willst, ist es dein verdammtes Recht, es zu sein“, sagte Madonna angeblich über die Stirnrunzeln hebenden Bilder des Albums. Ungefähr zu dieser Zeit kopierten Scharen von „Madonna-Möchtegern“ ihren Look, der Geleearmbänder, Rosenkränze, Kruzifixe, Spitzenstrumpfhosen und riesige Schleifenstirnbänder beinhaltete – was sie zu einer Modeikone machte. (Anfang dieses Jahres wurde Like a Virgin als „kulturell, historisch oder ästhetisch bedeutsam“ in das National Recording Registry der Library of Congress aufgenommen.)

Nachdem Madonna 1986 mit ihrem damaligen Ehemann Sean Penn den Bund fürs Leben geschlossen hatte, präsentierte Madonnas True Blue ihr erstes Image-Makeover und wandte sich von dem Kaugummi-Pop-Sound ab, für den sie bekannt war. Die Lead-Single „Live to Tell“ zeigte künstlerisches Wachstum, während sie scheinbar mit einer schmerzhaften Vergangenheit konfrontiert wird. („Ich habe eine Geschichte zu erzählen/ Manchmal wird es so schwer, sie gut zu verbergen“, singt sie in der Eröffnungsstrophe der Ballade.)

Darüber hinaus experimentierte Madonna bei „True Blue“ mit neuen Musikstilen, darunter Klassik („Papa Don’t Preach“, das die Schwangerschaft von Teenagern beleuchtete), Latein („La Isla Bonita“) und Doo-Wop („True Blue“) "). Dennoch steht bei „Open Your Heart“ Dance-Pop im Vordergrund, ebenso wie sexuelle Anspielungen im dazugehörigen Video, in dem die Sängerin als exotische Tänzerin bei einer Peepshow auftritt.

Als „Like a Prayer“ 1989 erschien, hatte sich Madonna den Titel „First Lady of Pop“ verdient und behauptete sich neben den männlichen Kollegen Michael Jackson und Prince. Im Vorfeld der Veröffentlichung des Albums kämpfte Madonna hinter den Kulissen hart – sie und Sean Penn reichten zwei Monate zuvor die Scheidung ein, sie erreichte das Alter, in dem ihre Mutter starb, und sie hatte mit ihrer katholischen Erziehung zu kämpfen.

Die 11 Titel umfassende LP wiederum gilt als das erste von Madonnas Projekten, das zutiefst persönliche Texte und Themen enthält, insbesondere in Titeln wie „Till Death Do Us Part“, „Promise to Try“, „Oh Father“ und „Keep It“. Together“, letzteres mit Prince an der Gitarre. Auf der anderen Seite dienen „Cherish“ und die feministische Hymne „Express Yourself“ als Lichtblicke auf Like a Prayer.

Der Titelsong brachte Madonna ihren siebten Platz an der Spitze der Hot 100-Charts ein, vor allem aber ist er mit dem dazugehörigen Video gleichbedeutend. Der Clip zeigt eine Reihe kontroverser Bilder, darunter Madonna, die vor brennenden Kreuzen singt, was die Entertainerin ihren Pepsi-Sponsorvertrag kostete (dazu später mehr). „Like a Prayer“ gab den Ton für Madonnas „Justify My Love“- und „Erotica“-Videos an, die wegen ihrer grenzüberschreitenden Bildsprache für Kontroversen sorgten.

Es ist unmöglich, sich Madonnas Katalog noch einmal anzusehen, ohne einige der atemberaubendsten Momente der Künstlerin noch einmal zu erleben. Ob sie 1994 in der Late Show mit David Letterman eine Schimpferei voller Obszönitäten ausführte oder Britney Spears und Christinia Aguilera bei den MTV Video Music Awards 2003 küsste – Madonna ist kein Unbekannter darin, die Welt zu schockieren.

Nur ein Jahr nach Beginn ihrer außergewöhnlichen Karriere stahl Madonna bei den ersten Video Music Awards von MTV die Show. Die damals 26-Jährige trug ein Brautkleid, das an das erinnerte, das sie auf dem Cover des Albums „Like a Virgin“ trug, und entblößte versehentlich ihre Unterwäsche, während sie nach einem ihrer Absätze griff, der abfiel, als sie aus einer Höhe von 17 Fuß in die Tiefe stieg Hochzeitstorte. Nach dem Auftritt wurde Madonna von ihrem Manager mitgeteilt, dass ihre Karriere vorbei sei – doch stattdessen katapultierte es sie schließlich in den Superstar-Status.

Zum Abschluss der 80er-Jahre wurde Madonna zur Sprecherin von Pepsi ernannt, ihr Sponsoring in Höhe von 5 Millionen US-Dollar wurde jedoch entzogen, als das Video „Like a Prayer“ ein paar Monate später Premiere hatte. Die bahnbrechenden Bilder zeigen Rassismus gegen ein gemischtrassiges Paar, Stigmata und Madonna selbst, die einen schwarzen Heiligen küsst – aber die provokativste Szene erscheint mittendrin, als Madonna vor brennenden Kreuzen im Ku-Klux-Klan-Stil singt.

Es überrascht nicht, dass es von der christlichen Gemeinschaft weitgehend als blasphemisch empfunden wurde und der Papst Italien zum Boykott der Sängerin aufrief. Obwohl das umstrittene Video Madonna ihren Pepsi-Deal kostete, ebnete es den Künstlern den Weg, Religion mit ihrer Kunst zu verbinden, um eine mutige Aussage zu machen – scheinbar als Inspiration für die Videos „Judas“ von Lady Gaga, „Montero (Call Me By Your Name)“ von Lil Nas X. ,“ und „Unholy“ von Sam Smith und Kim Petras. (In gleicher Weise wurde ein Teil von Madonnas Confessions Tour 2006 verurteilt, weil sie „Live to Tell“ an einem verspiegelten Kreuz aufführte und dabei eine Dornenkrone trug, was die Kreuzigung Jesu Christi simulierte.)

Einer ihrer vielleicht skandalösesten Momente ist jedoch der Medienrummel und die Brillanz, die das Video „Justify My Love“ auslöste. Der gemeinsam mit Lenny Kravitz geschriebene Song selbst ist anzüglich genug, um ein paar Augenbrauen hochzuziehen, aber nach heutigen Maßstäben immer noch relativ zahm. „I want to run naked in a rainstorm/ Make love in a train cross-country“, gurrt sie zu einem von Public Enemy gesampelten Schlagzeugbeat.

Themen wie Nacktheit, Sadomasochismus, Bisexualität und Androgynie ziehen sich durch das von Jean-Baptiste Mondino inszenierte Video, das Madonna als „Feier des Sex“ verteidigte, nachdem es von MTV verboten wurde. Madonna nutzte den Moment und veröffentlichte es als Video-Single, die sich über eine Million Mal für 9,98 US-Dollar verkaufte – ein Beweis dafür, dass Madonna jede potenzielle Karrierekatastrophe in einen klugen geschäftlichen Schachzug umwandeln konnte.

Madonna: Wahrheit oder Pflicht feierte nur sechs Monate später Premiere und erhielt überwiegend positive Kritiken – bestimmte Szenen lösten jedoch Gegenreaktionen aus, darunter Madonna, die Fellatio auf einer Glasflasche vorführte. Der Dokumentarfilm zeichnete die Blond Ambition World Tour der Sängerin im Jahr 1990 auf, wird aber oft als Verfechter der LGBTQIA+-Community gefeiert, da er Madonna und ihre Tänzer bei einer Pride-Parade und schwule Männer zeigt, die beiläufig über Sex diskutieren.

Was als nächstes in Madonnas Karriere folgte, war nichts für schwache Nerven: Das Album „Erotica“ aus dem Jahr 1992 untersucht jeden Aspekt der Sexualität, von S&M und Oralsex bis hin zum Bewusstsein für die AIDS-Epidemie.

Madonnas Alter Ego namens Dita steht im Mittelpunkt der Lead-Single „Erotica“, einer ihrer markantesten, aber vergessenen Singles. „Mein Name ist Dita/ Ich werde heute Abend deine Herrin sein“, erklärt sie zu einem verführerischen Groove mit Hip-Hop- und nahöstlichen Einflüssen. Der rasante Titel und seine Nachfolgesingle „Deeper and Deeper“ belegten jeweils die Plätze 3 und 7 der Hot 100, aber die übrigen Singles aus der Erotik-Ära landeten nicht so weit oben in den Charts. „Bad Girl“, das 1993 auch im Film „Body of Evidence“ zu sehen war, erreichte Platz 36, während „Fever“ und „Bye Bye Baby“ die Hot 100 komplett verfehlten.

Juwelen wie „Rain“, „Words“, „Waiting“ und „In This Life“ gehen in der Kontroverse um die LP unter, doch ihre Wirkung ist auch drei Jahrzehnte später noch immer spürbar und inspiriert immer mehr Künstlerinnen dazu, ihre Sexualität kompromisslos zur Schau zu stellen; Beyoncés „Partition“, Christina Aguileras „Not Myself Tonight“ und Rihannas „S&M“ dienen als Paradebeispiele.

Madonnas schauspielerische Fähigkeiten kamen beim Publikum nicht immer gut an, aber ihre Soundtrack-Hits waren jedes Mal ein voller Erfolg.

Ursprünglich für den Film „Vision Quest“ aus dem Jahr 1985 aufgenommen, ist „Crazy for You“ das erste Mal, dass Madonna eine Ballade als Single veröffentlicht – sie stellt ihre stimmlichen Fähigkeiten zur Schau und spricht gleichzeitig ein reiferes Publikum an. Madonna sicherte sich nicht nur ihren zweiten Platz an der Spitze der Hot 100-Charts, sondern erhielt auch ihre allererste GRAMMY-Nominierung für die beste weibliche Pop-Gesangsdarbietung.

Ein paar Monate später erschien „Into the Groove“ in der Komödie „Desperately Seeking Susan“, in der Madonna in der Titelrolle mitspielt und ihr Filmdebüt markiert. Unterstützt von Synthesizern und Drumcomputern zeigt der Song selbst Madonna auf dem Höhepunkt ihrer Popularität, was das Anhören zu etwas ganz Besonderem macht. Ironischerweise erreichte der ansteckende Titel jedoch nie die Hot 100; Aufgrund der Entscheidung ihres Labels, es nicht offiziell als Single zu veröffentlichen, konnte es nicht in die Charts aufgenommen werden, aus Angst, es könnte „Crazy For You“ in den Schatten stellen.

Während Madonnas Auftritt in der Screwball-Komödie „Who's That Girl“ von Kritikern kritisiert wurde, erzielte sie mit „Who's That Girl“ bzw. „Causing a Commotion“ Platz-1- und Platz-2-Hits.

Madonnas schauspielerische Ambitionen hielten das ganze Jahrzehnt über an. Obwohl sie in aufeinanderfolgenden Katastrophenserien wie „Shanghai Surprise“ mitwirkte, versuchte sie sich 1990 erneut als Schauspielerin mit Dick Tracy. Der Oscar-prämierte Film war nicht nur das Comeback an den Kinokassen, das Madonna brauchte, sondern er brachte auch „Vogue“ hervor, einen der kultigsten Tanzsongs, die jemals im Radio zu sehen waren – obwohl er nie im Film vorkam.

„Vogue“ stand in über 30 Ländern an der Spitze der Charts und warf ein Licht auf einen extravaganten Tanzstil, der aus Harlems Ballsaal-Community der 1960er Jahre stammt, die von schwarzen und lateinamerikanischen Schwulen angeführt wird. Vom gesprochenen Teil (in dem Madonna Hollywoodstars wie Marlon Brando und Bette Davis aus dem „Goldenen Zeitalter“ ruft) bis zum begleitenden Schwarz-Weiß-Video, in dem Madonna den mittlerweile legendären Kegel-BH von Jean Paul Gaultier vorstellt, ist alles über „Vogue“ ist eine Ikone und ein kultureller Moment, von dem viele Künstler nur träumen können.

Madonnas Filmsoundtrack-Erfolg setzte sich mit „A League of Their Own“ (1992), „Evita“ (1996) und „Austin Powers: The Spy Who Shagged Me“ (1999) fort. Die Soundtracks aller drei Filme zeigen Madonnas ständige Bereitschaft, über ihre eigenen künstlerischen Grenzen hinauszugehen. In den Opern „Don't Cry for Me Argentina“ und „You Must Love Me“ von Evita, die ihr einen Golden Globe und eine Oscar-Nominierung einbrachten, erkundet Madonna das Musiktheater, während ihre Stimme neue Höhen erreicht. Unterdessen greift das mit dem GRAMMY ausgezeichnete „Beautiful Stranger“ den psychedelischen Pop der 1960er Jahre auf, daher das Austin Powers-Thema. Das melancholische „This Used to Be My Playground“ aus „A League of Their Own“, begleitet von einem Live-Streicharrangement, ist ein Beweis für Madonnas vielfältige Aufgaben.

Obwohl „Die Another Day“ zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung in den frühen Morgenstunden auf gemischte Kritiken stieß, gilt es heute als Inbegriff von Madonna und als einer der James-Bond-Songs mit den höchsten Charts in den USA. Mit satten 6 Millionen US-Dollar bleibt das dazugehörige Video das zweitteuerste , direkt hinter dem „Scream“-Video von Michael Jackson und Janet Jackson aus dem Jahr 1995.

Ende 1994 reduzierte Madonna ihr aufgemotztes Image nach der Veröffentlichung aufeinanderfolgender sexuell eindeutiger Projekte, darunter das umstrittene Couchtisch-Sexbuch, das softcore-pornografische Bilder von Madonna selbst enthielt – zusammen mit Big Daddy Kane, Vanilla Ice, Naomi Campbell und andere berühmte Gesichter.

Für „Bedtime Stories“ engagierte sie R&B-Hitmacher wie Babyface und Dallas Austin, während sie sich mit Themen wie Liebe und Romantik und der sexuellen Freiheit aus „Erotica“ von 1992 auseinandersetzte. Die radiotauglichen Singles „Take a Bow“ und „Secret“ markierten eine neue musikalische Richtung für Madonna, die sich auszahlte: Beide zeigten einige ihrer besten Gesangsdarbietungen und erhielten begeisterte Kritiken von Musikkritikern.

Aber die rebellische Natur der Entertainerin taucht in dem sträflich unterschätzten „Human Nature“ wieder auf – eine Antwort auf die Gegenreaktionen, denen sie zwei Jahre zuvor wegen ihrer hypersexualisierten Rolle ausgesetzt war. „Habe ich etwas Falsches gesagt?/ Hoppla, ich wusste nicht, dass ich nicht über Sex reden konnte/ Bin ich zu lange geblieben?/ Hoppla, ich wusste nicht, dass ich meine Meinung nicht äußern konnte“, singt sie weiter Song-Brücke, bevor er erklärt: „Es tut mir nicht leid.“

Nachdem sie den Erfolg mit der Hauptrolle in „Evita“ genossen und zum ersten Mal Mutter geworden war, markierte „Ray of Light“ aus dem Jahr 1998 Madonnas damals längste Pause zwischen den Studioalben – aber das Warten hat sich gelohnt.

Als ihr Opus Magnum und ihre größte Neuerfindung gefeiert, erlebte „Ray of Light“ Madonna aufgrund ihrer Mutterschaft und ihres spirituellen Erwachens in ihrer kreativsten Phase, als sie mit Techno-Pop, Electronica, Trip Hop, Klängen des Nahen Ostens und Mystik experimentierte. Mit jedem Song verwandelt sich die damals 39-Jährige von Material Girl zu Madonna the Artist, wie der Titelsong „Frozen“, „Drowned World/Substitute for Love“, „Nothing Really Matters“ und „Shanti/Ashtangi“ zeigt ,“ und „The Power of Goodbye.“ Sie führt das Thema Selbstreflexion mit Liedern wie „Swim“, „Mer Girl“ und „Little Star“ noch einen Schritt weiter, wobei letzteres ihrem erstgeborenen Kind, Lourdes Leon, gewidmet ist.

„Ray of Light“ verzeichnete zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung die höchsten Verkaufszahlen in der ersten Woche aller Künstlerinnen – eine beeindruckende Leistung, wenn man bedenkt, dass die Musikszene der späten 90er Jahre von einem Meer jüngerer Künstler dominiert wurde, darunter Backstreet Boys, Lauryn Hill und Jay -Z. Die 13 Titel umfassende LP brachte Madonna bei der Zeremonie 1999 drei weitere GRAMMYs ein: Bestes Pop-Album sowie Beste Tanzaufnahme und Bestes Kurzform-Musikvideo für „Ray of Light“.

Mit der Einführung der 2000er-Jahre-Musik vollzog Madonna eine weitere Transformation. Im neuen Jahrtausend wurde den Fans Madonna, das Cowgirl, vorgestellt. Während der Titelsong wie eine Rückbesinnung auf ihre früheren Dance-Hits wie „Everybody“, „Holiday“ und „Into the Groove“ klang, ist die Nachfolgesingle „Don't Tell Me“ bemerkenswert, da die Pop-Ikone zum ersten Mal Country-Stile einbezieht in ihr künstlerisches Schaffen.

Die letzte Single des Albums „What It Feels Like for a Girl“, die die Doppelmoral hervorhebt, mit der Frauen in der Gesellschaft konfrontiert sind, erreichte nur Platz 23 der Hot 100, bleibt aber ein Fanfavorit und behält auch heute noch ihre Relevanz sein feministisches Thema. Mit vier GRAMMY-Nominierungen in den Jahren 2001 und 2002 übertraf der kommerzielle Erfolg von Music die Beschränkungen der Musikindustrie gegenüber alternden Entertainerinnen – ein Problem, mit dem Madonna auch heute noch konfrontiert ist.

Im Jahr 2003, nach der Tragödie vom 11. September inmitten des Irak-Krieges, fühlte sich Madonna veranlasst, das politisch motivierte American Life herauszubringen. Es handelte sich sowohl inhaltlich als auch klanglich um eine völlige Abkehr, die stark in Richtung „Folktronica“ tendierte, einer Mischung aus Folk- und Electronica-Musik. „Ich möchte meinen extremen Standpunkt zum Ausdruck bringen/Ich bin kein Christ und ich bin kein Jude“, rappt sie im Titeltrack.

Während Madonnas Versuch, eine sozialbewusste Platte aufzunehmen, nicht den gleichen Erfolg brachte wie andere politisch aufgeladene Songs zu dieser Zeit (einschließlich „Where Is The Love?“ von Black Eyed Peas und „American Idiot“ von Green Day), ist der 11-Track Nicht zuletzt zeigte LP auch nach zwei Jahrzehnten ihrer Karriere ihre Bereitschaft, kreative Risiken einzugehen.

Während Madonna in der New Yorker Clubszene Fuß fasste, erlebte ihre Tanzherrschaft mit der Veröffentlichung von You Can Dance im Jahr 1987 einen Höhepunkt – das den neuen Titel „Spotlight“ sowie eine Handvoll Remix-Titel ihrer ersten drei Studioalben enthält. Für You Can Dance engagierte Madonna erfahrene DJs, darunter John „Jellybean“ Benitez und Shep Pettibone. Zu einer Zeit, als Remixe noch Neuland waren, bleibt die Club-taugliche LP das zweitbestverkaufte Remix-Album aller Zeiten und gilt als das erste Album eines Mainstream-Künstlers, das sich ausschließlich der Kunst des Remixes widmet.

Während Tanzmusik den Kern von Madonnas Diskografie bildet, verlagerte sich ihre Arbeit nach You Can Dance, beginnend mit Like a Prayer aus dem Jahr 1989, in Richtung eines eher erwachsenenorientierten Sounds. Nach fast zwei Jahrzehnten musikalischer Experimente kehrte Madonna mit „Confessions on a Dance Floor“ aus dem Jahr 2005 im großen Stil zu ihren Tanzwurzeln zurück.

Die Lead-Single des Albums „Hung Up“, die auf einem prominenten Sample von ABBAs „Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)“ basiert, brach Rekorde, als sie in 41 Ländern auf Platz 1 schoss. Die Nachfolgesingles „Sorry“, „Get Together“ und „Jump“ schnitten international besser ab, aber der kommerzielle Erfolg der LP leitete das Disco-Revival des 21. Jahrhunderts ein, das später Stücke wie „Future Nostalgia“ von Dua Lipa und „About Damn Time“ von Lizzo beeinflusste ."

Im Jahr 2007 gewann „Confessions on a Dance Floor“ einen GRAMMY für das beste Elektro-/Tanzalbum und die begleitende Confessions Tour gewann im darauffolgenden Jahr einen weiteren GRAMMY für das beste Langform-Musikvideo.

Mit Beiträgen von Justin Timberlake, Timbaland, Pharrell Williams und Nate „Danja“ Hills ist „Hard Candy“ aus dem Jahr 2008 eines der am wenigsten verkauften Alben Madonnas, obwohl es den Riesenhit „4 Minutes“ (eine Zusammenarbeit mit Timberlake) enthält, der Platz 1 erreichte. Platz 3 der Hot 100. „4 Minutes“ brachte Madonna außerdem ihre 37. Top-10-Single ein und war damit die Künstlerin mit den meisten Top-10-Einträgen zu dieser Zeit. Zu den weiteren herausragenden Titeln von Hard Candy gehören „Give It 2 ​​Me“, „She’s Not Me“, „Devil wouldn’t recognize you“ und „Miles Away“, wobei Letzteres von ihrem damaligen Ehemann Guy Ritchie inspiriert wurde.

Ungefähr zu der Zeit, als Madonna 2011 an ihrem Regiedebüt WE arbeitete, legte sie den Grundstein für ihr zwölftes Studioalbum MDNA, das im folgenden Jahr erschien.

Von den vier veröffentlichten Singles ist „Give Me All Your Luvin‘“ (mit Nicki Minaj und MIA) der einzige Song, der es in die Hot 100 schaffte, obwohl „Girl Gone Wild“ und „Turn Up the Radio“ ihr 42. und 43. Song wurden Nr. 1 Dance-Hits. Die von der Gitarre geleitete Ballade „Masterpiece“, die auch im Soundtrack von WE erscheint, gewann bei den Golden Globes 2012 den Preis für den besten Originalsong.

Obwohl „Gang Bang“ nicht als Single veröffentlicht wurde, entwickelte es sich schnell zu einem Liebling der Fans und erntete gleichzeitig Kritik von denen, die sagten, es verherrliche Gewalt. Der von Quentin Tarantinos Filmen inspirierte Text des aggressiven Liedes zeigt eine Frau, die einen Ex-Liebhaber ermordet: „And I'm go right to hell/ And I got a lot of friends there/ And if I see that b— in hell/ I.“ „Ich werde ihm wieder in den Kopf schießen/Weil ich ihn sterben sehen will“, spottet sie auf der Brücke.

Madonnas nächste beiden LPs, Rebel Heart aus dem Jahr 2015 und Madame Das dazugehörige Video zeigt Gastauftritte von Beyoncé, Katy Perry und Miley Cyrus, um nur einige zu nennen. Beide Alben brachten Madonna jedoch weitere sechs Nummer-1-Dance-Hits hervor. Mit sage und schreibe 50 Nr. 1-Platzierungen in den Billboard Dance Club Songs-Charts festigte Madonna ihren Status als Tanzkönigin.

Ende 2023 kündigte Madonna ihre bevorstehende Celebration Tour an, um ihr 40-jähriges Jubiläum seit ihrem Debüt zu feiern. Mit 45 Stationen von Detroit und Los Angeles bis Amsterdam und Barcelona sollte die Celebration Tour am 15. Juli beginnen, bevor sie aufgrund der jüngsten Gesundheitskrise des 64-jährigen Superstars verschoben wurde.

Wie der Tourname vermuten lässt, ist Madonna bereit, das von ihr aufgebaute Hit-Vermächtnis zu würdigen. „Ich freue mich darauf, so viele Songs wie möglich zu erkunden, in der Hoffnung, meinen Fans die Show zu bieten, auf die sie gewartet haben“, sagte sie zum Zeitpunkt der Ankündigung der Tour, die ihre erste Tour ist, die ihren größten Hits gewidmet ist. Wenn der Megastar später in diesem Jahr glorreich auf die Bühne zurückkehrt, wird sie die Welt an ihren unerbittlichen Geist erinnern – den gleichen, der sie heute zum Polarstern für fast jede Entertainerin in den Charts gemacht hat, unabhängig vom Genre.

Madonna hat die Rechte von Homosexuellen unterstützt, die sexuelle Freiheit vorangetrieben, religiöse Bilder umgesetzt und den Feminismus zu einer Zeit umgestaltet, als dies nicht im Trend lag. Die ganze Zeit über hat sie sich nie für ihr „rebellisches Herz“ entschuldigt und so ihr Erbe als wahre Queen of Pop gefestigt.

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Foto: Ovidio Gonzalez/Getty Images für MC

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Vom sanften Summen von Carole Kings „It's Too Late“ bis zu GAYLES feuriger Wut auf „abcdefu“ fassen diese 15 Songs die expansiven Emotionen von Frauen zusammen, die problematische Ex-Partner in die Schranken weisen – weit hinter sich.

Seit der Veröffentlichung von SOUR im Jahr 2021 loben Kritiker und Hörer Olivia Rodrigo gleichermaßen für ihr Talent, die nachvollziehbaren Nöte der Jugend und die Fallstricke einer allzu heftigen Verliebtheit eloquent darzustellen. Ihre neueste Single „Vampire“ ist nicht anders.

Obwohl sie ihren „Führerschein“ als Teenager-Liebhaber gegen einen älteren Mann eingetauscht hat, bleibt der perfekt umgesetzte Ausdruck der Qual bestehen. Während Rodrigo im Refrain jammert: „Du hast mich so naiv aussehen lassen/ Die Art, wie du mich für Teile verkauft hast/ Wie du deine Zähne in mich hineinsaugst/ Blutsauger, Ruhm/ Hält mich trocken wie ein Vampir.“

Aber bevor es Rodrigo gab, gab es Avril Lavigne, Taylor Swift und Alanis Morissette – ohne die Pioniere des tagebuchartigen Songwritings, Carole King und Carly Simon, wären sie nicht da, wo sie waren. Dank der Verewigung ihrer Musik können wir den Wandel von der poetischen Enthüllung von Verletzungen, die King in „It's Too Late“ veranschaulicht, zu reuelosen, geradlinigen Sticheleien (wie Kate Nash in „Foundations“ sagt: „Don't want“) noch einmal miterleben in dein Gesicht zu schauen, weil es mich krank macht") und erschütternde Schlachtrufe (während Miley Cyrus brüllt: „Ich kam herein wie eine Abrissbirne").

Sehen Sie sich im Folgenden 15 Lieder selbstbewusster Frauen von 1971 bis 2021 noch einmal an, die mit ihren inbrünstigen Sätzen der Verdammnis die Trennungserzählung wieder aufleben ließen – denn, wie das uralte Sprichwort sagt, hat die Hölle keine Wut wie eine verachtete Frau.

Als Carole King 1971 „It's Too Late“ veröffentlichte, markierte dies eine neue Ära des Songwritings. Diskussionen über eine Scheidung waren im Allgemeinen unbekannt, vor allem aber, wenn sie von einer Frau initiiert wurden. Dennoch veröffentlichte King ohne jede Entschuldigung „It's Too Late“, das später einen GRAMMY für die Schallplatte des Jahres gewann und vom Rolling Stone als einer der 500 größten Songs aller Zeiten gelobt wird.

Auf diesem folkigen Track zeichnet sich die unausweichliche Trennung zwischen King und ihrem Mann ab, aber sie ist nicht per se nachtragend. Vielmehr beunruhigt sie die wachsende Unzufriedenheit ihres Mannes und gibt zu: „Ich komme mir wie ein Idiot vor.“ Und an diesem Punkt ist sie bereit, weiterzumachen und kann für die gemeinsame Zeit dankbar sein.

In ihrem Hit aus den 70er-Jahren erzählt Carly Simon die Geschichte eines arroganten Mannes, der glaubt, jede Frau sei von seiner Aura verzaubert. Aber die Volkssängerin möchte deutlich machen, dass sie von seinen ausgeschmückten Geschichten und seinem luxuriösen Kleiderschrank nicht beeindruckt ist.

Normalerweise lässt sich das Thema eines Trennungsliedes leicht erraten, aber „You're So Vain“ hat jahrzehntelange Spekulationen ausgelöst. Viele gingen davon aus, dass es sich um James Taylor handeln könnte, den Simon 1972 heiratete und von dem sich 1983 scheiden ließ, oder um Mick Jagger, der den Gesang für das Stück lieferte (eine Theorie, die später widerlegt wurde). Bis heute hat sie die Inspiration des Tracks nur wenigen Auserwählten offenbart, darunter Taylor Swift, die Simon als eines ihrer Vorbilder nennt.

Joan Jett ist ihr schlechter Ruf vielleicht egal, aber sie verachtet nichts mehr, als dass ihr Ex-Liebhaber sie wie eine liebeskranke Idiotin aussehen lässt.

Auf „I Hate Myself for Loving You“ legt sich die Chanteuse aus den 80ern auf einen klassischen Glam-Rock-Beat und offenbart damit ihre Verachtung für einen Mann, der sie vernachlässigt hat. Jett ist ihres Stolzes beraubt und fängt an, sich darüber zu ärgern, dass sie an ihren Gefühlen festhält – wie der Titel des Liedes zeigt.

Sie versucht, ihre inneren Wünsche zu verbergen („Ich möchte gehen, aber ich renne zu dir zurück“), schafft es aber letztlich nicht, die Gefühle loszuwerden, und lässt sie von der süßen Gerechtigkeit träumen, ihn eines Tages wieder gefangen zu nehmen, nur um verlasse ihn.

Es ist unmöglich, über vernichtende Trennungslieder zu sprechen, ohne Alanis Morissettes typische Herzschmerz-Hymne „You Oughta Know“ anzuerkennen. Zum Zeitpunkt ihrer Veröffentlichung enthielt die Single „Jagged Little Pill“ einige der ehrlichsten und bissigsten Texte, die es gab.

Morissette beginnt mit einer illusorischen Aussage: „Ich möchte, dass du weißt, dass ich mich für dich freue“, die im zweiten Vers in die Offenbarung mündet: „Mir geht es nicht ganz so gut, das solltest du wissen.“ Während sie in ihrem beichteigsten Moment gipfelt, steigert sich das Instrumental zu einem süchtig machenden Aufruhr, wobei Morissette die Gedanken offenbart, die die meisten von uns zu peinlich wären, um sie zuzugeben: „Es war ein Schlag ins Gesicht, wie schnell ich ersetzt wurde/ Und denkst du?“ von mir, wenn du sie fickst?“

Shania Twain hat die besondere Superkraft, jeden ihrer Texte mit einem Hauch von Unbeschwertheit und Selbstvertrauen vorzutragen. Wenn man also einen Titel wie „That Don't Impress Me Much“ hört, ist ihre Enttäuschung und Verärgerung nicht spürbar.

Ein kurzer Blick auf Twains Geschichte zeigt, dass sie – trotz der schwungvollen Melodien des Liedes – von der Beschäftigung ihres Ex mit seinem Fahrzeug, seinem Aussehen und seiner Intelligenz abgestumpft ist. Sicherlich mag er auf dem Papier perfekt sein, aber ihm fehlen die Qualitäten eines Liebhabers für immer, und sein unverdientes Ego sollte echten Größen wie Elvis Presley und Brad Pitt vorbehalten bleiben.

In der Eröffnungsstrophe von „Are You Happy Now?“ fleht Michelle Branch: „Nein, geh nicht einfach weg/ Tu so, als wäre alles in Ordnung und ich interessiere dich nicht.“ Zuerst kann sie nicht glauben, dass ihr einstiger Verehrer sie schnell abweisen würde, aber als sie den Refrain erreicht, beginnt sie sich zu fragen, ob seine Handlungen die ganze Zeit über eine Lüge waren.

Ihre Gedanken rasen, Branch schwankt zwischen schamlosen Fragen wie „Haben Sie wirklich alles, was Sie wollen?“ und „Könnten Sie mir in die Augen schauen und mir sagen, dass Sie jetzt glücklich sind?“ Aber am Ende des Liedes bekommt sie die befriedigendste Antwort von allen – Frieden ohne ihn: „Ich werde nicht brechen/ Weil ich jetzt glücklich bin.“

In „My Happy Ending“ greift die Pop-Punk-Expertin der 2000er Jahre, Avril Lavigne, nach den Scherben einer zerbrochenen Beziehung und versucht herauszufinden, wo alles schief gelaufen ist. Sie könnte das „Falsche“ gesagt haben, oder die unpassenden Freunde ihres Partners hätten negativ über sie gesprochen. Aber eines weiß sie mit Sicherheit: Es gibt keine Möglichkeit, die Scherben wieder aufzusammeln.

Um sich mit der Wahrheit auseinanderzusetzen, richtet Lavigne ihre Wut auf die andere Person, weil sie ihr das märchenhafte Ende genommen hat, und würdigt ihn sarkastisch für die gemeinsame Zeit an einem düsteren Klavier: „Es ist schön zu wissen, dass du da warst/ Danke, dass du dich so benimmst.“ Sorge/ Und mir das Gefühl geben, der Einzige zu sein.

Kelly Clarkson hat fast alle Emotionen in der Liebe durchgemacht, von ihren epischen Trennungshymnen wie „Behind These Hazel Eyes“ bis hin zu ihrer jüngsten LP-Chemie. Aber „Gone“ ist vielleicht ihr bislang unerbittlichster Song.

Das gleichnamige „Gone“, das von seinem Breakaway-Pendant „Since U Been Gone“ eingeleitet wurde, erweitert Clarksons Heilungsreise – dieses Mal mit einer expliziteren und erwachseneren Schmähschrift gegen die Figur ihres Ex. Anstatt triviale Angriffe zu verwenden, beschließt Clarkson stattdessen, seine Annahme zum Ausdruck zu bringen, dass sie in seine Arme zurücklaufen würde, und erklärt später ein Ende ihrer Duldung: „Es gibt nichts, was du sagen kannst/ Tut mir leid, das reicht nicht, Baby/ Nimm das.“ Schlag zu und geh weg, denn ich bin weg.

Mit „Smile“ bekommt Lily Allen ihre süße Rache durch den Anblick der Tränen und des Unglücks ihrer ehemaligen Flamme. Aber der Text von Allens bahnbrechender Single verdeutlicht nicht genau die Einzelheiten ihrer Eskapaden, sondern lediglich eine Erklärung für deren Ursprünge.

Nachdem ein Betrugsskandal ihre Beziehung beendet, verschlechtert sich ihre geistige Gesundheit – bis er zurückkriecht, um ihre Gnade zu erbitten. Als sie seine Bitten hört, kommt sie zu der Erkenntnis: „Wenn ich dich weinen sehe, muss ich lächeln.“ Und wie das hinterhältige Musikvideo zeigt, bekommt jeder, der sie betrügt, sein Karma – vielleicht in Form von organisierten Einbrüchen, Schlägen und einem Abführmittel, das in seinen Morgenkaffee gestreut wird.

Kate Nash tritt in die Fußstapfen ihrer Mentorin Lily Allen und schildert anschaulich die Tragödie des Liebesverlusts, die durch ihre klaren Texte prismatisch wird („Dein Gesicht ist teigig, weil du so kaputt gegangen bist, was für eine Überraschung.“ !") und ihrem charmanten, starken Londoner Akzent.

In dieser Geschichte hat sich Nash noch nicht ganz von den Fesseln ihrer gescheiterten Beziehung befreit. Tatsächlich würde sie es gerne retten, trotz der Tendenz ihres Freundes, sie zu demütigen, und ihres unwiderstehlichen Drangs, mit einem sarkastischen Kommentar zu antworten. Am Ende des Tracks wird Nash immer unruhiger und ersinnt neue Wege, um ihm Unannehmlichkeiten zu bereiten – aber am Ende fragt er sich immer noch, ob es irgendeine Rettung gibt, um ihren einst glühenden Funken aus Angst vor der Einsamkeit zu bewahren.

In dem Jahr, in dem P!nk „So What“ schrieb, hatte sie bereits eine Schar von Platin-Singles auf dem Konto. Mit einem glänzenden sozialen Status und einer auf dem Höhepunkt ihrer Karriere stehenden Karriere reagierte sie gleichgültig auf die vorübergehende Trennung von ihrem jetzigen Ehemann Carey Hart. P!nk spürte die Höhen des neuen Singledaseins und war bereit, persönliche Tyrannei zu schüren, sei es, dass sie Harts Miete nicht zahlte, ihr Geld trank oder einen Streit anzettelte.

Ironischerweise tritt Hart in dem Musikvideo als Antagonist auf, was P!nk auf ihrer offiziellen Fan-Website als Beweis für ihre Entwicklung verriet: „Carey hatte das Lied nicht gehört, bevor er das Video gemacht hat. So sehr vertraut und liebt er.“ „Ich... Er versteht es. Er versteht mich“, sagte sie.

Taylor Swift hat sich seit langem als amtierende Königin der Liebeslieder etabliert, von Balladen, die die engagiertesten Beziehungen würdigen, bis hin zu Dissidententiteln herzzerreißender Affären zwischen Teenagern. Letzteres beherbergt einen der frühesten (und angesagtesten) Hits in Swifts umfangreichem Katalog: „Picture to Burn“.

In dieser täuschend fröhlichen Melodie schwört Swift, sich an einem Freund zu rächen, nachdem er sie verlassen hat, um mit einem ihrer Freunde auszugehen – vom Treffen mit seinen Freunden bis hin dazu, dass ihr Vater ihm seine Meinung sagt. Und nebenbei wird sie gerne ein paar Beleidigungen austeilen: „Du bist ein herzzerreißender Redneck, der wirklich schlecht lügen kann/ Also sieh mir zu, wie ich mit all meiner verschwendeten Zeit ein Streichholz anzünde/ Was mich betrifft, bist du es.“ nur ein weiteres Bild zum Verbrennen.

Miley Cyrus schloss mit „Wrecking Ball“ ihre Hannah-Montana-Tage ab und sah den Popstar aus Kindertagen in ihrem bisher erwachsensten und verletzlichsten Zustand. Monate vor der Veröffentlichung hatte Cyrus ihre Verlobung mit ihrem langjährigen Freund Liam Hemsworth gekündigt und damit den Weg für ihren überwältigenden Auftritt auf der Bangerz-Single geebnet.

Genauso beeindruckend wie Cyrus‘ kraftvoller Gesang ist das ikonische Musikvideo des Titels. Cyrus erreicht ihren Höhepunkt mit einem ohrenbetäubenden Schrei – „Du hast mich nur ruiniert“ –, während sie auf einer echten Abrissbirne über den Bildschirm schwingt und alle ihre physischen und metaphorischen Mauern niederreißt.

Mitte der 2010er-Jahre hatte die Branche die Angst im Gegenzug für Wohlfühl-EDM und Trap-Beats in den Hintergrund gedrängt. Zumindest bis Halsey das Bild betrat.

Nach nur zwei Jahren im Rampenlicht hatte Halsey eine lebendige Mischung klanglicher Melodramen kultiviert – vom Dreck und Dreck giftiger, gescheiterter Liebe auf den Tracks „Bad at Love“ und „Colors“ bis hin zur Bonnie-und-Clyde-artigen hitzigen Leidenschaft von „ Er und ich.

Im Jahr 2020 rundete Halsey ihre Diskografie mit dem genreübergreifenden, introspektiven Manic ab, in dem ein Titel wie „You Should Be Sad“ mit sachlichen, rachsüchtigen Kommentaren Ihre Aufmerksamkeit erregt: „Ich bin so froh, dass ich es nie getan habe.“ ein Baby mit dir/ Denn du kannst nichts lieben, es sei denn, es ist etwas für dich dabei.

Im Gegensatz zu den meisten Liebesliedern weigert sich GAYLE, ihre Wut auf „abcdefu“ ausschließlich auf ihren Herzensbrecher zu richten. Stattdessen wütet der damals 16-jährige Sänger mit einer sengenden Melodie und einer bezaubernden Basslinie gegen seine Mutter, seine Schwester und so ziemlich jeden (und alles), mit dem er in Verbindung steht – außer seinem Hund.

Anfang des Jahres verriet GAYLE gegenüber GRAMMY.com, dass sie „wütend auf ihn und wütend auf die Menschen war, die ihn und sein Verhalten ermöglicht haben“. Diese Feindseligkeit war in „abcdefu“ spürbar und erzeugte eine ebenso kraftvolle wie kathartische Magie – und bewies, wie viele Lieder davor, dass im Schmerz Macht stecken kann.

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Foto: Simone Joyner/Getty Images

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Der 21. Juli markiert einen großen Tag der Veröffentlichung neuer Musik, darunter mit Stars besetzte Kollaborationen wie „K-POP“ von Travis Scott, Bad Bunny und The Weeknd sowie eine neue EP von NewJeans. Hören Sie einige der größten neuen Songs auf GRAMMY.com.

Wie so viele New Music Fridays zuvor brachte auch der 21. Juli ein Füllhorn an frischen und einzigartigen Klängen aus aller Welt.

Möchten Sie Travis Scott, Bad Bunny und The Weeknd sanft und psychedelisch hören? Sind Sie gespannt auf den neuesten Beitrag eines One Direction-Mitglieds? Möchten Sie einen Vorgeschmack auf das lang erwartete nächste Album von A$AP Rocky bekommen? Fehlt in Ihrem Musikleben ein Britney-förmiges Stück? Möchten Sie die Zukunft von K-Pop hören?

Auf diese und andere Fragen gibt diese Reihe von Melodien Antworten. In der folgenden Zusammenfassung sausen Sie mit den völlig unterschiedlichen Klängen einiger der Top-Acts der Musikbranche ins Wochenende – viele davon mit beträchtlichen GRAMMY-Erben.

Eine Woche vor dem Utopia-Livestream-Event des neunfachen GRAMMY-Nominierten Travis Scott am 28. Juli in den Pyramiden von Gizeh in Ägypten, bei dem sein neues gleichnamiges Studioalbum uraufgeführt wird, kündigte er seine sechste Zusammenarbeit mit dem vierfachen GRAMMY-Gewinner The Weeknd.

„K-POP“, die Lead-Single des Albums, wird durch den dreifachen GRAMMY-Gewinner Bad Bunny in seiner ersten Zusammenarbeit mit Scott abgerundet. Dieser dreifach bedrohliche Track hat ein steiniges, schwelendes Gefühl, mit luxuriöser Produktion unter anderem von Boi-1da – und wird durch sein panoramisches, mitreißendes Video unterstrichen.

Das ehemalige One Direction-Mitglied setzt sein Solo-Erbe mit „Love Like This“ fort, seiner ersten neuen Single seit 2021.

Darin lobt ZAYN die Tugenden, Vorsicht in den Wind zu schlagen, wenn es um Verliebtheit geht: „Alles steht auf dem Spiel, aber ich wäre lieber tot/Wenn es ein Leben bedeuten würde, das ohne dich gelebt hat, Baby“, singt er. „Ich denke, ich muss dieses Risiko eingehen, weil ich nicht zurückgehen kann.“

In dem Video fährt ZAYN an einem wunderschönen Tag auf einem Motorrad herum. Der Sänger war zuvor bei RCA unter Vertrag und wechselte kürzlich zu Mercury Records. Könnte „Love Like This“ der Auftakt zu einem neuen Album sein? Wenn ja, bietet „Love Like This“ einen verlockenden Vorgeschmack auf das, was noch kommt.

Nach dem Ende ihrer Konservatoriumstätigkeit kehrte die GRAMMY-Gewinnerin Britney Spears 2022 mit „Hold Me Closer“ in ihre Musikkarriere zurück, einem Duett mit Elton John, das Elemente von „Tiny Dancer“, „The One“ und „Don‘“ enthält. „Ich werde mir nicht das Herz brechen.“

Jetzt macht sie es wieder ernst mit „MIND YOUR BUSINESS“, einem frechen, pulsierenden, elektronischen Duett mit dem siebenfachen GRAMMY-Gewinner will.i.am von den Black Eyed Peas. Der Track ist die vierte Zusammenarbeit der beiden und die erste seit „It Should Be Easy“ von Spears‘ Brtiney Jean aus dem Jahr 2014.

GRAMMY.com nannte NewJeans eine von 10 K-Pop-Rookie-Girlgroups, die man im Jahr 2023 im Auge behalten sollte, und es hat sich ausgezahlt, ein Auge auf sie zu haben. Am 21. Juli veröffentlichten sie ihre neue EP „Get Up“, die von der Kritik hoch gelobt wurde: NME erklärte, dass „niemand den aufstrebenden Wundermädchen des K-Pop das Wasser reichen kann.“

Gleichzeitig mit der Veröffentlichung von „Get Up“ veröffentlichten sie ein fröhliches, mit dem iPhone aufgenommenes Musikvideo zu ihrer überschäumenden Single „ETA“, in dem eine Gruppe von Mädchen den Freund einer Freundin dabei erwischt, wie er eine andere Dame angreift.

Chris Stapletons letztes Album, Starting Over aus dem Jahr 2020, verhalf dem Country-Schlagersänger zu einem klaren Sieg bei den GRAMMYs 2022. Bei dieser Zeremonie gewann er goldene Grammophone für die beste Country-Solo-Performance („You Should Rather Leave“), den besten Country-Song („Cold“) und das beste Country-Album („Starting Over“).

Am 10. November wird der achtfache GRAMMY-Gewinner seine nächste LP „Higher“ veröffentlichen. Als er die Nachricht am 21. Juli bekannt gab, stellte Stapleton auch eine majestätische Rocksingle vor: „White Horse“. „If you want a cowboy on a white horse/ Ridin' off into the Sunset“, singt er donnernd, „If that’s the kinda love you wanna wait for/ Hold on firm, girl, I ain’t there still.“

Für seinen neuesten Track veröffentlichte A$AP Rocky einen stilvollen, charmanten Kurzfilm für Beats, der einen gehetzten Windellauf zeigt (eine passende Erzählung für den frischgebackenen Vater, der bald Vater von zwei Kindern mit Partnerin Rihanna ist). Das enthält allerdings nur eine Minute des Liedes; Es lohnt sich, das Ganze zu genießen.

Zu einem unruhigen, schwerfälligen Beat preist Rocky einen Lebensstil, für den man sterben könnte („Meine Frau ist erotisch/Ich rauche exotisch/Meine Peitsche ist exotisch“) sowie seine beispiellosen Verbindungen („Ich rufe einfach Designer an, ich bin frei“) neunundneunzig es").

Unterstützt vom 13-fachen GRAMMY-Gewinner Pharrell soll „RIOT (Rowdy Pipe'n)“ die erste Single aus A$AP Rockys lang erwartetem vierten Album „Don't Be Dumb“ sein; Wenn die Qualität des Tracks ein Indiz dafür ist, wird es sich auf lange Sicht lohnen.

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Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Recording Academy/Foto von Rebecca Sapp, Getty Images 2023

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Im Anschluss an seinen letzten Tourstopp in den USA begeisterte Charlie Puth die Fans bei einem besonderen GRAMMY-Spendenbrunch in Los Angeles. Werfen Sie einen Blick auf sechs Erkenntnisse aus der intimen Veranstaltung.

Kurz nachdem Charlie Puth am 11. Juli seine Nordamerika-Tour beendet hatte, schenkte der Pop-Hitmacher 150 Fans das ultimative Fan-Erlebnis: Brunch mit einer Seite von Puth.

Als Teil der Sunday Brunch With…-Reihe des GRAMMY Museums – eine Spendenaktion für das GRAMMY In The Schools-Programm der Organisation, das von der City National Bank und Porsche gesponsert wurde – lud die Fans zu einem Drei-Gänge-Brunch mit anschließendem 45-minütigen intimen Gespräch ein Akustikset von Puth.

Auf der Bühne im Restaurant VERSE LA seines Freundes (und 17-fachen GRAMMY-preisgekrönten Mixers) Manny Marroquin in Toluca Lake, Kalifornien, erzählte Puth Geschichten über seine Tage am Berklee College of Music und seinen Weg zum Star. Er ließ die Teilnehmer auch in seinen Songwriting-Prozess eintauchen und spielte dabei einige seiner beliebtesten Tracks.

Für diejenigen, die es nicht zur ausverkauften Veranstaltung geschafft haben, gibt es hier sechs Imbissbuden vom Sonntagsbrunch mit Charlie Puth.

Zu Beginn der Show legte Puth großen Wert darauf, einen seiner alten Berklee-Professoren von der Bühne aus zu rufen. Es stellte sich heraus, dass es Prinz Charles Alexander war, ein mehrfach mit dem GRAMMY Award ausgezeichneter Mixer und Toningenieur, der mit Mary J. Blige, Destiny's Child, P. Diddy, Usher und Aretha Franklin zusammengearbeitet hat.

Puth sagte, er sei oft in Alexanders Büro vorbeigekommen, um Ideen von ihm durchzugehen, und Alexander habe ihm im Gegenzug Tipps gegeben. Puth erzählte dem Publikum, dass er noch immer an Alexanders Rat denkt, wenn er all diese Jahre später seine eigenen Platten aufnimmt, und rief nicht nur seinem Professor, sondern allen Musikpädagogen zu, dass er fest an den Wert der Musik in unseren Schulen glaube. Er scherzte sogar, dass er gerne selbst Musiklehrer werden würde, „wenn diese ganze Musiksache nicht klappt“.

Als Puth 2017 „How Long“ schrieb, befand er sich auf einem langen Spaziergang. Als es anfing zu regnen, stolzierte er durch die Stadt und fragte sich, warum nicht noch mehr Tracks im perfekten Schritttempo geschrieben wurden. Das Geräusch seiner Füße vermischte sich mit dem nassen Beton und plötzlich sagte er der Menge: „Es war, als ob die Akkorde vom Himmel fielen.“

Dann begann Puth mit einer sanften und klangvollen Darbietung des Liedes – das auf jedem Soundsystem, das Marroquin in seinem Restaurant installierte, hervorragend klang –, was einen Teilnehmer dazu veranlasste, vor Freude zu rufen: „Ooh, du solltest besser singen!“

Puth sagt, er habe mit dem Schreiben von „We Don’t Talk Anymore“ begonnen, als er in Osaka, Japan, unterwegs war. Er hatte sich in die perkussive Gitarre in Ed Sheerans Song „Bloodstream“ verliebt und wollte diesen Ton auch in seinem eigenen Track verwenden.

Puth sagt, er wollte auch etwas schreiben, das er als „weltlichstes Album“ bezeichnete, oder „ein Album, das mich um die Welt führen würde“. Angesichts der Tatsache, dass „We Don't Talk Anymore“ in 20 verschiedenen Ländern die Top 10 erreichte und das Video bisher mehr als drei Milliarden Aufrufe auf YouTube hat, kann man mit Recht sagen, dass ihm genau das gelungen ist.

Als der frisch unter Vertrag genommene Puth Anfang der 2010er Jahre zum ersten Mal in LA war, schlug ein Produzent vor, seine neu aufgenommenen Tracks in einen Club zu bringen, wo sie sie dem Publikum vorspielen und sehen würden, was ankommt. Für Puth war es damals eine neuartige Idee, die er jedoch ein wenig an die Moderne angepasst hat, in der er Stücke von Liedern und Ideen auf sein TikTok wirft, in der Hoffnung, zu sehen, was fliegt.

Genau so entstand sein Hit „Light Switch“ aus dem Jahr 2022: Der einfache perkussive Sound, den man hört, wenn man das Licht ein- und ausschaltet.

In Videos, die er auf TikTok gepostet hat, versucht er den Fans zu zeigen, dass Musik wie dieses Lied von überall her kommen kann. „Man braucht kein mehrere Millionen Dollar teures Aufnahmestudio, um eine Platte aufzunehmen“, sagte er der Menge und erinnerte alle daran, dass „Crank That“ von Soulja Boy auf dem Heimcomputer des Rappers selbst produziert wurde, bevor es in den sozialen Medien einen großen Durchbruch schaffte.

Jeder, sagte Puth, könne seine eigene Musik machen und veröffentlichen, auch wenn er derzeit nicht über das Aufnahme-Setup seiner Träume verfügt. Es geht nur um Leidenschaft und Ausdauer und den Wunsch, etwas Neues zu schaffen.

Als Puth anfing, „Attention“ zu schreiben, spielte er mit einem kleinen klassischen Riff auf dem Klavier herum. Er beschloss, die klassischen Takte zu nehmen und sie in einen Popsong zu integrieren, um den Raum daran zu erinnern, dass das gar nicht so ungewöhnlich ist. Zum Beispiel, sagte er, enthält „A Groovy Kind Of Love“ von Toni Wine und Carole Bayer Sager das Rondo aus Muzio Clementis Sonatina, Opus 36, Nr. 5. Nach Puths Ansicht können klassische Musik und Pop in perfekter Harmonie leben und sich gegenseitig ergänzen einander und bauen auf etwas auf, das noch größer ist als die Summe ihrer Teile.

Im Jahr 2012, auf dem Höhepunkt der EDM-Hits im „Weight for the Drop“-Stil, fühlte sich Puth entmutigt, als er versuchte, selbst in die Musik einzusteigen. Er erinnerte sich, dass er in das Haus seiner Eltern gezogen war und sich voll und ganz auf die Pop-Charts konzentrierte, indem er seine Songs an das anpasste, was gerade die Nr. 1 war – aber sie wurden alle von den Labels abgelehnt. Schließlich, sagte er, habe ihm ein A&R-Mitarbeiter einen Rat gegeben und im Wesentlichen gesagt: „Wir haben das alles schon einmal gehört. Wir möchten etwas von Ihnen hören.“

So beschloss Puth, auf dem Weg, in einem Studio in LA einen Dance-Track aufzunehmen, stattdessen eine Klavierballade aufzunehmen. Er sagt, es sei so gewesen, als ob „See You Again“ ihm in den Schoß gefallen sei, und führt den Erfolg auf die Tatsache zurück, dass er nicht versucht habe, jemand anderes als er selbst zu sein.

„See You Again hat mein Leben verändert“, sagte er dem Brunch-Publikum und betonte, dass er stolz und glücklich sein werde, wenn er es für den Rest seines Lebens aufführen dürfe. Als er es live spielte, sang der ganze Raum freudig mit – ein Hinweis darauf, dass Puth möglicherweise einen lebenslangen Hit geschaffen hatte.

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